lunes, 24 de enero de 2011

Samuel Fuller - Verboten! (1959)

Un joven militar americano, destinado en Alemania tras la caída del Tercer Reich, pone en peligro su postura respecto al Plan Marshall rompiendo la regla de no fraternización al enamorarse de una joven mujer alemana. Todo parece ir bien para la pareja, pero lo que él no sabe es que los Werewolves, el movimiento de guerrilla Nazi, tienen planes en los cuales él cumple un papel esencial...

Una muestra del cine más personal de Samuel Fuller, director de éxito en el Hollywood de los 50 pero rebelde con el sistema industrial. Se trata de una producción independiente y modesta cuya acción se sitúa en la Alemania de fin de guerra. Fuller combina la ficción con imágenes documentales para dar una lección, una advertencia contra el neonazismo, y su virtud es que, a diferencia de muchos otros cineastas de Hollywood, no necesitaba de grandes medios ni de actores famosos para hacer cine con garra. Eran los recursos de estilo y la violencia dramática lo que daban emoción a las películas de Fuller y aquí la encuentra en imágenes creadas por él mismo o encontradas en documentales. El mundo
FA 3806

François Truffaut - Antoine et Colette (1962)

El episodio más perdurable del film colectivo "El amor a los 20 años" (que co-dirigieran Francois Truffaut, Andrzej Wajda, Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls y Renzo Rossellini) es éste mediometraje que continúa la historia del protagonista de "Los 400 golpes", el primer film de Truffaut. Aquí el joven Antoine Doinel tiene 16 años. En un concierto de las "Juventudes Musicales", el muchacho se enamora perdidamente de una joven estudiante. Para poder verla constantemente, Antoine se muda al departamento vecino e incluso consigue convertirse en el protegido de sus padres. Pero cuando más cerca él cree estar de su objetivo, más lejos ella está…

La segunda película que escribe y dirige Truffaut con el personaje de Antoine Doinel es Antoine y Colette , que era un episodio del film El amor a los veinte años (1962), que muestra al protagonista a los diecisiete años, aún inseparable de René, su amigo de Los cuatrocientos golpes, y esta vez enamorado por primera vez de una chica llamada Colette, que aparecerá posteriormente de manera breve en Besos Robados (1968), que será recordada por sus lentes en Domicilio Conyugal (1970) y aparecerá en El amor en fuga (1978). En esta película, Truffaut plasma por primera vez su amor a las mujeres dentro del ciclo de películas con Antoine Doinel, y el amor al amor, que no es sino una constante recreación llena de frescura de todas las tretas que utiliza el personaje para conquistar a una chica, sin elementos trágicos y tratada con ligereza. Pero una vez más, la historia es triste y tierna, porque Doinel no consigue el amor de la chica. En El amor a los veinte años Truffaut vuelve a realizar una transposición similar a la que había realizado en Los cuatrocientos golpes: los recuerdos de su adolescencia fueron transformados sólo en la forma aunque no en el fondo, de esta manera él se enamoraba de una chica que conocía a través de la música, aunque en la realidad este primer amor se diera a través del cine. El amor a la realidad se hacía una vez más presente. Es más, el propio Truffaut afirma que hizo su siguiente película con el personaje de Antoine Doinel, Besos Robados, porque “volví a sentir la necesidad de volver a lo concreto, a los pequeños sucesos de la vida”. Es justamente en estos pequeños sucesos que se encuentra la revelación, el deslumbramiento, el descubrimiento de un misterio que se nos ofrece a cada uno de nosotros todos los días en cada suceso de nuestra cotidianeidad y no somos muchas veces capaces de ver por la mala costumbre de darle más importancia a las abstracciones y a la fantasía. Y he aquí que radica el talento de Truffaut: el haber sido capaz de descubrirnos la magia de la realidad a través del cine, y esto se da gracias al profundo amor con el que descubre esta magia. Esta manera que tiene Truffaut de hacer cine es aquella de un nostálgico, de un romántico, que ve en su pasado y en la reconstrucción del mismo, la única manera de encontrar algún sentido en el presente. Además, se interesa por la vida que es reflejada en el cine, más que por la vida misma. Todas sus películas reflejan este amor y esta pasión. Es importante recordar además que para Truffaut el cine fue más que un sano entretenimiento en su infancia y adolescencia: “el cine me salvó la vida”, afirmó en una ocasión. Y al hacer sus películas, se vuelca con el amor de alguien agradecido al cine por haber permitido que siga con vida. Así de carnal y vital es la relación de Truffaut con el cine, y es así como hay que entenderla al momento de ver sus películas. (Texto de Rossana Diaz Costa, tomado de Ver o no ver)
FA 3795

domingo, 23 de enero de 2011

Mariana Chenillo - 5 días sin Nora (2008)

Nora, de 62 años, se suicida, dejando instrucciones detalladas que sus deudos deberán seguir los cinco días que permanecerá su cuerpo en casa, ya que, debido a la fiesta de la Pascua judía, no podrán enterrarla dentro de las 24 horas de rigor. No estamos ante un melodramón de aquellos que abundan en la filmografía de nuestro país; un humor muy fino y elegante se hace presente cuando José (ex marido de Nora y alejado por completo del judaísmo) deberá hacerse cargo del cuerpo mientras lidia con los representantes y las costumbres de esa religión. Movido por el resentimiento, se empeña en que las
instrucciones no se lleven a cabo. Todo se complica más cuando encuentra una foto comprometedora de ella de la época en que todavía estaban casados.
FA 3760

Anahí Berneri - Por tu culpa (2010)

El film centra la historia en Julieta (Erica Rivas) quien por inercia va arrastrando una familia rota. Julieta por momentos intenta y por otros aparenta, darles a sus dos pequeños hijos una vida ordinaria y ordenada. En su camino existen tropiezos, pero permanecen ocultos detrás de las rejas de seguridad, las paredes decoradas y la ropa de marca.
FA 3761

Ezequiel Acuña - Excursiones (2009)

"Excursiones" de Ezequiel Acuña, film en gran medida autobiográfico (de él y de sus actores-coguionistas), en el que narra una relación profesional entre amigos. Se trata también del reencuentro de dos personajes, Martín y Marcos (Alberto Rojas Apel y Matías Castelli), surgidos de un corto que Acuña rodó hace una década. Entonces escribían juntos una obra de teatro, y en esta especie de secuela, los encontramos uno como guionista en crisis y otro como empleado de una empresa alimenticia, intentando colaborar en un proyecto del primero. Esta comedia le sirve a Acuña para exorcizar una depresión por el fracaso de su segundo film, "Como un avión estrellado". "Se me había agotado un poco la temática adolescente. Uno va creciendo y se aleja de las cosas que le interesaban retratar. Medio que me alejé del cine", explica en declaraciones a Clarín. Para "Excursiones", el director argentino de "Nadar solo" provocó que sus actores -amigos a su vez- participaran de lleno en la creación del guión. "Un dia les dije "Tengo esta idea, probemos". Nos empezamos a cagar de risa y dijimos "Bueno, empecemos a laburar esto". Así evité lo que me había paralizado, que era el trabajo de guión, de bar, de estar en un proyecto mucho tiempo. Fue más dinámico. Tenia esto de la acción, de juntarnos los tres, empezar a improvisar y a laburar situaciones e ir escribiéndolo ahí". Acuña sigue prefiriendo la imagen filmada al vídeo, y por ello rodó "Excursiones" en 16mm y en blanco y negro, algo que quizás dificulte aún más una distribución amplia. El propio Acuña admite la paradoja de que siendo sus películas accesibles por temática y planteamiento a casi cualquier público, acaben mostrándose en pocas salas y siendo minoritarias. "A mí me sorprendió por ejemplo -explica a Crítica Digital- cuando Marcelo Piñeyro dijo que "Nadar solo" era una película que con otro lanzamiento u otro marketing tendría que haberla visto mucha más gente de la que la vio. Y después me encontré con él y me dijo lo mismo: el problema es siempre el puente con la gente. Aunque es un imponderable, porque "Excursiones" es también una película bastante accesible y bastante corta, pero si alguien dice que haberla filmado en blanco y negro es un problema, qué hacerle. Era lógico hacerla así porque el corto original era en blanco y negro. En realidad no es porque yo quiera hacer cine de autor o algo rebuscado, sino más bien que tenga una impronta de uno, algo que me interese. Así como que reflejar cierto tipo de gente; creo que la gente de treinta es muy reconocible en estas películas. No son gente con un plan a largo plazo, por lo demás". "Excursiones" fue uno de los títulos nacionales que más y mejor dieron que hablar el pasado año en el Festival de Cine Independiente de Buenos Aires (BAFICI).
FA 3759

Carlos María Jaureguialzo - Tres pájaros (2002)

Gustavo Freire es un joven ambicioso que ha desarrollado una interesante carrera dentro de "Rellán, Herrera y Asociados". Hacerse cargo de la agencia de Brasil es su meta y está a punto de lograrlo. Pero antes, el presidente de la compañía lo envía a realizar una delicada misión a unas minas perdidas en la fronera. Lo que parecía un trámite sencillo para un joven ejecutivo como él, termina por transformarse en una trampa que le tiende el destino. Aparece Mariel, inquietante, prohibida...Y como la mariposa que se posa en el fusil del soldado y cuya belleza lo distrae fatalmente, el futuro de Gustavo también estará en juego.
FA 3758

Dany Boon - Bienvenidos al país de la locura (2008)

Philippe Abrams es director de correos de Salon-de-Provence. Esta casado con Julie, que con su carácter depresivo le hace la vida imposible. Para hacerla contenta, Philippe comete una estafa para que lo trasladen a la Costa Azul. Pero le descubren y lo trasladan a Berges, un pueblecito al norte de Francia. Para los Abrams, sudistas y llenos de prejuicios, el norte es terrible, un lugar helado, lleno de gente rústica, que hablan de manera incomprensible, el “cheutimi”. Philippe irá solo. Y para su sorpresa, descubrirá un lugar
fantástico, unos compañeros amables, gente acogedora, y además encuentra un amigo: Antoine, el cartero y el hombre que toca las campanas en el pueblo, con una madre posesiva y que sufre de desamores. Cuando Philippe vuelve a Salon, Julie no quiere creer que él es feliz en el norte, piensa que le está mintiendo para que se traslade con él. Para simplificarse la vida, y contentar a Julie, Philippe le hace creer que efectivamente su vida es un infierno en Bergues. A partir de entonces, su vida se vuelve una confortable mentira.
FA 3754

Tim Blake Nelson - La zona gris (2001)

Con una dureza extrema en las imágenes pero sin buscar en ningún momento el oportunismo, "La zona gris" nos narra la historia de aquellos judíos que, confinados en campos de concentración, por miedo al dolor más que a una muerte segura, vendieron sus servicios a los nazis para aplazar y dulcificar su hora final. El dilema está planteado, y se lanza un mensaje universal hacia una sociedad en la que el interés cotiza por encima del compromiso.
FA 3732

Lisa Cholodenko - Mi familia (2010)

The Kids Are All Right
Nic (Annette Benning) y Jules (Julianne Moore) mantienen una relación lésbica y tienen dos hijos: Joni (Mia Wasikowska) y Laser (Josh Hutcherson), ambos fruto de la inseminación artificial. Joni está a punto de graduarse en secundaria y es un adolescente con todos los problemas propios de su edad. Pero lo que obsesiona a los dos chicos es conocer al hombre que donó su esperma (Mark Ruffalo) y, por un capricho del destino, lo encuentran y deciden que forme parte de sus vidas, aunque tropezarán con la oposición de sus madres.
FA 3729

Julie Bertuccelli - Cartas de Paris (2003 9

Depuis qu'Otar est parti...
Otar, es un georgiano que trabaja como inmigrante en París, es el gran orgullo de su madre Eka, quien vive solamente para estar al tanto de sus logros y sus novedades, que el hijo comunica por medio de cartas. Un día, las misivas dejan de llegar... Y es que Otar ha muerto, lejos de su tierra y su familia. Marina, hija de Eka, y Ada, su nieta, se ven entonces obligadas a ocultarle a la anciana tan terrible noticia.
FA 3728

Oliver Stone - U-Turn (Giro al infierno) (1997)

Después de un accidente de automóvil en el desierto de Arizona, Bobby Cooper consigue llegar a un pequeño pueblo en el que todos parecen estar locos. Allí conocerá a una pareja formada por un hombre maduro y una atractiva joven. Pronto, el marido le propondrá un trato consistente en matar a su esposa. Ella, por su lado, le propondrá matar a su marido poco después. (FILMAFFINITY)
FA 3731

Carlos Hugo Christensen - Si muero antes de despertar (1952)

Encarnación del “cuco” en su versión más siniestra, el lunático que interpreta aquí Homero Cárpena no sólo tiene un aspecto aterrador sino que además niega a Dios y carece de los rasgos humanos que poseían otros colegas suyos, como Peter Lorre en M, de Fritz Lang, o Nathán Pinzón en El vampiro negro
FA 3789

Carlos Hugo Christensen - No Abras Nunca esa Puerta (1952)

Un electrizante policial con dos episodios independientes que tienen en común la puerta que separa el bien del mal. En el primer segmento, "Alguien al teléfono", Ángel Magaña intenta vengar la muerte de su hermana, una muchacha que se suicida por deudas de juego. En el segundo, "El pájaro cantor vuelve al hogar", Roberto Escalada es un ex presidiario que silba cuando comete crímenes, y regresa al hogar donde lo espera su madre ciega, que lo cree regenerado.
Un tercer cuento iba a ser incluido en este film pero por cuestiones de metraje quedó afuera y luego se convirtió en otra película: "Si muero antes de despertar".
FA 3790.

LTierra contra los Platillos Volantes - Fred F. Sears (1956)

Earth vs. the Flying Saucers
Con los extraordinarios efectos visuales del genial Ray Harryhousen, la película enfrenta a losterrícolas contra unos alienígenas humanoides en una violenta batalla por la supervivencia de la Tierra.
La película que nos ocupa, modesta donde las haya y realizada en el o 1956, es la muestra por excelencia de invasiones extraterrestres que nos ofrece la ciencia-ficción cinematográfica. Aún más que su predecesora, y mucho más famosa, "La Guerra de los Mundos". Entiéndase que estoy hablando de invasiones violentas, no del estilo de otro gran clásico del género como "La Invasión de los ladrones de cuerpos", sino donde se desarrollan fuertes combates entre las fuerzas de la Tierra y los alienígenas.
"La Tierra contra los platillos volantes" comparte algunos aspectos con "La Guerra de los Mundos", a saber: los invasores provienen de mundos agonizantes, y disponen de una avanzada tecnología, pero a diferencia de ésta, los alienígenas de "La Tierra contra los platillos volantes" no intentan, inicialmente, cargarse todo lo que se mueve, sino establecer contacto con los terrestres, aunque sus intenciones no dejan de ser aviesas: no quieren la destrucción total de la especie humana, sino un pedazo de nuestro planeta para vivir; naturalmente, convirtiéndose en los líderes de la Tierra, cosa que los héroesestadounidenses de rigor no están dispuestos a permitir, para variar, de forma que la cosa termina en un enfrentamiento amuerte, aunque queda muy claro quién es el que primero empieza a disparar.
Tecnológicamente hablando, la película es sorprendente: desintegradores, traductores universales, escudos electromagnéticos,lectores cerebrales, electricidad sólida, armas ultrasónicas y los ubicuos campos magnéticos, son algunas de las propuestas que aparecen en ella. Además, como nota curiosa, los alienígenas se refieren a sus naves como vehículos interestelares, lo que parece indicar que al menos no proceden del pobre Marte, cuna de la mayoría de los bichos con malas pulgas que pululan por la ciencia-ficción, sino de lugares mucho más lejanos. Con toda esa parafernalia tecnológica, la lucha entre los terrestres y los invasores, deviene en espectacular.
En definitivas cuentas, un fantástico film que es un claro exponente del cine de ciencia-ficción de los años 50,que llegó a ser homenajeado por Tim Burton en "Mars Attack". Serie B de "buena".
FA 3786

César Charlone / Enrique Fernández - El baño del Papa (2007)

Año 1988. Melo, Uruguay, una pequeña ciudad ubicada en la frontera con Brasil, espera la visita del papa Juan Pablo II. Se empieza a hablar de cifras: llegarán miles de personas. Algunas fuentes bien informadas hablan de 50.000 visitantes...

Los habitantes, pobres en su mayoría, saben lo que significa: 50.000 peregrinos querrán comer, beber, querrán comprar banderas de papel, recuerdos, medallas conmemorativas. Llenos de entusiasmo, más que la bendición divina, esperan conseguir una pequeña parte de felicidad material. Beto, un contrabandista de poca monta, está convencido de haber dado con el mejor negocio de todos: “el baño del Papa”, donde miles de peregrinos podrán aliviarse. Que los otros se encarguen de freír montañas de chorizos y hornear bollos, él se hará rico con los residuos humanos. Pero antes de poder construir el retrete, Beto se mete en un lío. Llega casi a agotar la paciencia de su estoica y siempre optimista esposa
Carmen y decepciona a Silvia, su hija adolescente, que sueña con trabajar en los medios de comunicación. Debe incrementar sus arriesgados y duros viajes al otro lado de la frontera. Deja de lado su gran sueño: comprarse un ciclomotor. Incluso pierde su bien más querido, su bicicleta, con tal de hacerse con la clave de su templo de residuos y riqueza: la taza del váter. Pero está decidido a llegar a tiempo para el acontecimiento divino.
FA 3804

sábado, 22 de enero de 2011

Mikio Naruse - Shiroi yajuu (1950)

La bestia blanca
El Alberge Shirayuri se dedica a la rehabilitación de prostitutas. Su director, el apuesto Ryosuke Izumi, trabaja en compañía de la doctora Yuko Nakahara. Keiko, Mari y Minako son tres recién llegadas. El elegante atuendo de Keiko despierta las burlas y provocaciones de las demás internas. Una de ellas, Tamae, parece haber desarrollado una antipatía personal hacia Keiko.
FA 3803

William Dieterle - Dark City (1950)

Ciudad en sombras
La primera película de Charlton Heston en Hollywood también es un interesante relato negro, ayudado por las sombras callejeras y ese inhóspito ambiente en que viven aquellos que bordean el delito. Charlton (con cara de niño) lidera un grupo de estafadores que despluman a un hombre de negocios (Don DeFore), que se sume en la desesperación y se ahorca. Ahí es donde toma partido el hermano psicótico del fallecido (Mike Mazurki), que inicia un raid para cazar y asesinar a los cuatro jugadores (Jack Webb, Ed Begley y Harry Morgan). Para completar el cuadro aparece la novia del protagonista (Lizabeth Scott) que es cantante de cabaret.
FA 3766

VV. AA. - Dead of Night (1946)

En un caserón inglés se reúne una serie de individuos que comenzarán a contar historias misteriosas: un conductor de autobús que parece anunciar la muerte, un fantasma infantil morando en una mansión, dos amigos enfrentados por una mujer incluso después de la muerte, un espejo maldito, un muñeco de ventrílocuo que controla a su poseedor…

En verdad que calificar el clásico británico Al Morir la Noche (Dead of the Night, 1945) resulta ser una tarea harto difícil. En un principio este filme de la Ealing está considerado como una de las joyas del género fantástico, una pequeña obra maestra de indudable encanto para diferentes generaciones de aficionados. Su mayor atractivo y su gancho principal consiste en presentarse como uno de los primeros (amén de algunas muestras germanas en la etapa muda) recopilatorios de historias cortas de talante terrorífico, todas estas (re)unidas bajo el leit motiv de otra, por lo tanto principal. Pero esta prerrogativa resulta ser una arma de doble filo, pues si no cabe la menor duda que en la década de los 40 la iniciativa debió ser un shock cinematográfico en cuanto a originalidad, desarrollo e intento de renovación de un género, hoy en día, tras una avalancha enorme de clones y copias tanto cinematográficas como televisivas, y ya no digamos literarias, la calidad de Al Morir la Noche temblequea tristemente al no contar ya con la baza de la sorpresa. Por poner un ejemplo, unos filmes similares, posteriores y tan desacreditados como las producciones Amicus guardan en la mayoría de los casos una perfección técnica muy superior a la película originaria, un hecho nada extraño cuando son trabajos dirigidos por directores tan cualificados (aunque también injustamente criticados, todo hay que decirlo) como un Freddie Francis o un Roy Ward Baker, profesionales de mayor valía que los siempre, siempre, siempre grises Basil Dearden, Charles Chriton y los otros dos responsables de Al Morir la Noche. Con esta introducción no quiero ni mucho menos despreciar la película pues, como muy bien dije al principio, reputar Al Morir la Noche es una misión peliaguda; la narración cuenta con una serie de aciertos más argumentales que estilísticos que redime los resultados finales, haciendo aún más fina si cabe la línea abstracta que separa a una excelente obra de otra fallida. Tal vez el problema radique en qué momento de su vida se acerca el aficionado a este filme: si lo hace después de empaparse de toda la gran cantidad de relatos literarios con tuerca (Bloch, Sturgeon, Poe, Lumley, Disch...) y audiovisuales (Serling y Twilight Zone, Amicus, Hitchcock...), recordando la dificultad de conseguir visionar tanto series Z como este tipo de clásicos, o lo hace más o menos virgen culturalmente.
Al Morir la Noche está formada por 5 sketches, y otro general que sirve para darles vida. Mervyn Jones interpreta a un arquitecto cuyos servicios han sido solicitados por un caballero para que rediseñe su hogar. Al llegar a la mansión, Jones será instigado a que participe en una extraña reunión de terapia colectiva con los invitados de su anfitrión. De esta manera se da pie a que cada personaje cuente una historia independiente pero que tiene en común con las otras el tratar una anécdota increíble, terrible o en todo caso sobrenatural. (...)
Al Morir la Noche no puede ser considerada como una obra maestra por las circunstancias de las que hablábamos al principio, y por mucho que nos pese a los aficionados. Pero del mismo modo, el visionado de este gran clásico (y escribo gran aunque parezca contradictorio) tiene que ser indispensable en todo aquel que aprecie un género que no volvería a ser el mismo desde el estreno de la cinta. (Pasadizo)

"El cine es un arma maravillosa y peligrosa si la maneja un espíritu libre. Es el mejor instrumento para expresar el mundo de los sueños, de las emociones, del instinto. El mecanismo productor de imágenes cinematográficas, por su manera de funcionar, es, entre todos los medios de expresión humana, el que más se parece al de la mente del hombre, o mejor aún, el que mejor imita el funcionamiento de la mente en estado de sueño. B. Brunius nos hace observar que la noche paulatina que invade la sala equivale a cerrar los ojos: entonces, comienza en la pantalla, y en el hombre, la incursión por la noche de la inconsciencia; las imágenes, como en el sueño, aparecen y desaparecen a través de disolvencias y oscurecimientos; el tiempo y el espacio se hacen flexibles, se encogen y alargan a su voluntad, el orden cronológico y los valores relativos de duración no responden ya a la realidad; la acción de un círculo es transcurrir, en unos minutos o en varios siglos; los movimientos aceleran los retardos." Luis BUÑUEL
FA 3767



Bernhard Wicki - Die Brücke (1959

El puente
Abril de 1945. Durante los últimos dias de la guerra, un grupo de adolescentes alemanes que viven en un pequeño pueblo, son llamadados a filas. Para evitar que sean enviados al frente, su profesor intercede ante el mando militar para que los manden a proteger un pequeño puente sin importancia, a la entrada de su pueblo, cosa que finalmente consigue. Pero una serie de trágicas coincidencias coloca a los jovenes soldados ante un ataque de los tanques americanos.
FA 3768

Boris Ingster - Stranger on the Third Floor (1940)

El desconocido del tercer piso
Michael Ward es un periodista que se ve involucrado como testigo clave para inculpar a su vecino, Joe Briggs, en un caso con pocas pruebas. Briggs afirma tozudamente su inocencia, lo que retrae a Michael, El periodista comienza a tener dudas, y preso de su ansiedad, sueña que vive la situación contraria: él es el acusado y Briggs el testigo clave.

Dirigida por Boris Ingster, un emigrante ruso, la obra impresiona por su mezcla de concisión y dislocación de la realidad con ayuda de procedimientos que se acercan al guiñol, pero no cae en el ridículo. La histeria de los protagonistas y la opacidad del conjunto dan una sensación de claustrofobia al espectador. Reina la ambigüedad. El inocente parece tan esquizofrénico como el culpable. (Noël Simsolo: “El cine negro. Pesadillas verdaderas y falsas”)
FA 3769

Ermanno Olmi - Il Posto (1961)

Domenico Cantoni, un chico procedente de la provincia de Milán, deja su lugar de origen para establecerse en la ciudad y encontrar el tan ansiado empleo fijo. Una gran empresa está realizando una selección para unos puestos de administración. En la pausa para el almuerzo el día del examen, Domenico conoce a Antonietta, apodada "Magalì”.Esta película es un retrato de la Italia del boom económico, con todas sus contradicciones y problemas sociales.

Una cinematografía tan heterogénea y poblada como la italiana, con muchos años en los que la producción ha superado los 200 largometrajes, y con su notable nivel, incluye muchas personas singulares, muchas aportaciones genuinas, dominadas, por encima de influencias, tendencias o escuelas, por la propia creatividad, a veces, sencillamente, la genialidad. Pocas, sin embargo, de la envergadura y la constancia de Ermanno Olmi, cuya obra, que se dilata ya a lo largo de más de medio siglo, es dificil de catalogar y tan radicalmente suya que imposibilita la imitación. (...) (...)Hay dos grandes etapas en el cine de Ermanno Olmi, una primera claramente definida por el realismo, que evoluciona desde unos orígenes muy cercanos al neorrealismo -el propio realizador reconoce su admiración por cineastas como Roberto Rosellini- a un estilo muy propio, definido, entre otros aspectos, por el detallismo y la capacidad documental –siempre presente en él-, pero donde no se busca una denuncia política –no es el realismo del Pasolini de Accatone o Mamma Roma- y tampoco se percibe voluntad de un análisis ideológico. A lo sumo, a través del hombre bien concreto, el problema social, preferentemente la deshumanización de la empresa (El Empleo, I Fidanzati). Esa etapa, que culmina en 1978 con El árbol de los zuecos, destacada muestra de lo que se ha llamado "realismo poético", pasa en la década de los ochenta, tan complicada para el realizador, a otra muy diferente, la de la parábola, definida, además de por el abandono del puro realismo anterior, por el recurso a actores profesionales, antes muy excepcional, y también a argumentos de procedencia literaria –Joseph Roth en La leyenda del santo bebedor, Dino Buzatti en El secreto del bosque viejo, Jorge Luis Borges en Cantando dietro i paraventi, o la propia Biblia en Génesis, la creación y el diluvio. Y nuevas preocupaciones, como las ecológicas, y en especial las vinculadas a la pérdida de la cultura rural. En una y otra etapa hay muchas e importantes constantes. Desde luego el talante independiente y al margen de oportunismos o modas. La mirada humanitaria o si se quiere cristiana, pero en todo caso de un cristianismo nada conformista –"Dios deberá rendir cuenta de todo el sufrimiento del mundo", dice el protagonista de Cien clavos-. El también alude en alguna entrevista a esa religiosidad y precisa, a propósito de El árbol de los zuecos: "no es la religiosidad de las oraciones, sino la religiosidad del hombre que acepta el desafio de vivir". El destacado sacerdote y crítico Antonio Balletto, columnista de La Repúbblica, opinaba que si hay un cine religioso mero espectáculo, como sería Los Diez Mandamientos de Cecil B. de Mille, hay también un cine religioso dominado por el misterio, como el Génesis de Olmi. (...) (...) La crítica habla de una "trilogía del trabajo" a propósito de sus tres primeros largometrajes, Il tempo si é fermato (El tiempo se ha detenido,1959), Il posto (El Empleo, 1961) e I fidanzati (Los novios, 1963). Es cierto que toda la filmografia del realizador está presidida por un nítido respeto al mundo del trabajo, pero en esta última película al curioso devenir laboral del protagonista –norteño enviado por su empresa al sur, a Sicilia-, rumbo contrario al usual en el mundo laboral italiano en esos años, se sobrepone su historia sentimental, su novia, Liliana, también trabajadora. El mundo del trabajo es relevante para Olmi, que no cursa estudios universitarios y que recuerda con frecuencia el día invernal de 1947, tenía 15 años, en que comenzó a trabajar en la gran empresa eléctrica italiana, la Edisonvolta; (...) (...) Esta trilogía, dice Brunetta, "ilumina la otra cara de la Italia del ‘boom’ y mide sobre todo la distancia cultural, social y económica entre personas que reaccionan al cambio y a la pérdida de puntos de apoyo". (...) (...) Por otro lado, el cine de Olmi aparece como cine moroso, detallado, de lenta evolución, muchos de sus films tienen una larga duración –aunque en su mayoría han sido dolorosamente acortados por el director en el montaje-, como en tantas otros aspectos de su cine, Olmi va aquí, en la consideración del tiempo cinematográfico a contracorriente: "el cine convencional ha acostumbrado al espectador a una serie de condensaciones de la acción, de manera que se suprimen lo que yo llamo tiempos muertos. Se salta de aquí para allá, como en la publicidad, y en general a la gente le parece fantástico. Lo que yo propongo es exactamente lo contrario de todo eso. Me gustaría hacer una película sobre un único instante, una fracción de segundo que pueda llenar horas de cine", declara en 1989 a Adriano Picardi y Angelo Signorelli.(Texto de Antonio Checa Godoy ,tomado del pdf Ermanno Olmi, un cine tan serio como la verdad )
Con Il posto (El empleo, 1961), Olmi alcanza ya una notable popularidad. Y nos ofrece una obra madura. Domenico, un joven de clase media-baja de la periferia de Milán, va a conseguir su primer empleo. Asistimos a los exámenes y pruebas –alguna casi surrealista que ha de superar, y a su ingreso en una gran empresa, desesperanzador en principio, porque el puesto que consigue es de repartidor interno del correo. Pero la muerte de un empleado hará posible que acceda a un trabajo administrativo, y tenga una mesa con cajones, un flexo...Olmi es implacable con el mundo burocrático y deshumanizado de la empresa, por más que esa empresa organice actos o fiestas como la de fin de año; refleja con amable dureza, pero sin mensaje ideológico, la competencia y envidias internas en un mundo gris, sin atractivo alguno para una juventud resignada ante la falta de alternativas. Domenico conoce en los exámenes a Antonietta y hará amistad con la chica, que tiene las mismas aspiraciones y los mismos problemas que él y que obtendrá plaza de mecanógrafa. El trabajo es necesario, pero entre todos lo convertimos en tarea penosa.Pocas veces el cine ha reflejado con mayor detalle y credibilidad como el sistema devora,engulle a una persona, en el caso el joven e ingenuo protagonista, pero, también, como va separando a Domenico y Antonietta. (Texto de Antonio Checa Godoy, tomado de "La belleza del trabajo. El Cine de Ermanno Olmi")
FA 3770

Fritz Lang - Cloak and Dagger (1946)

Cerca del final de la Segunda Guerra Mundial, los aliados deben descubrir cuánto sabe las potencias del Eje sobre bombas atómicas. Por ello, el EI OSS recluta al físico Alvah Jesper para encontrar a su colega anterior, Katerin Lodor, ahora en Suiza, y sacarle del país para ser interrogado. Él le encuentra, pero un agente alemán les descubre y Lodor muere. Jesper debe ahora conseguir en Italia, con la ayuda de Gina, líder de la resistencia, y convencer a Polda, también físico, que se vaya con él. Pero Polda no irá hasta que rescaten a su hija de los alemanes...

Último de los cuatro films antinazis realizados por Fritz Lang en los años 40. Se basa en la novela "Cloak And Dagger" (1943) de Alastair MacBain y Corey Ford, inspirada en un hecho real (misión de Morris "Moe" Berg, agente secreto de la OSS). Se rueda en los Warner Studios, con un presupuesto ajustado, en los primeros meses de 1946, después de finalizar la IIGM (agosto 1945). Se estrena el 28-IX-1946 (EEUU).La acción tiene lugar en una Universidad del Medio Oeste de EEUU, Zurich (Suiza) e Italia, a lo largo de unas dos semanas en el invierno de 1945. La película es una obra de suspense, que incorpora elementos de romance, aventuras, thriller, espionaje y acciones de guerra. La sencillez del argumento no impide que el realizador cree una obra sugerente e inquietante, que entre líneas sitúa al espectador frente a amenazas y peligros que le afectan en términos de actualidad, tras el fin de la guerra.El mal se hace presente en el film de modo palpable y agobiante. Lo encarnan los nazis, que identifica con el engaño y la mentira, el chantaje, la crueldad y la muerte. Su actuación se extiende por el tejido social y afecta a todos, a través de una tupida red de delatores y un sistema policial sanguinario. En la descripción no distingue entre Gestapo, policía, militares, etc. Deliberadamente, todos forman un conjunto compacto y único, exento de diferencias y matices, como corresponde a la idea del mal absoluto, omnipresente y vigorosamente activo.La mujer ocupa una posición central dentro de los grupos en los que se mueve y dentro del film. Éste es el caso de la bella americana que trabaja como eficiente espía nazi y de la partisana que mueve la historia de amor. Las relaciones hombre/mujer, tanto en la lucha partisana como en las relaciones personales, está marcada por la igualdad. Gina (Lilli Palmer) es culta, sensible, inteligente y no se arredra a la hora de reprochar al varón su falta de sensibilidad y sensatez. En boca de una mujer pone las palabras más inteligentes sobre el futuro y el valor del compromiso.Escenifica la lucha entre el Bien y el Mal en una pelea cuerpo a cuerpo, ruda e inmisericorde, entre el americano Alvah (Gary Cooper) y un agente de la Gestapo. Rodada en primeros planos y montada de modo trepidante, explica la dificultad de herir al Mal y la facilidad de morir en sus manos. Hace uso de recursos visuales sorpendentes, como los ojos del gato en la oscuridad, la aparición de Gina cuando Alvah enciende una cerilla. Se sirve de toques mordaces, como la inmensa fotografía de Mussolini con sombrero tirolés, la prisa del agente de control de carretera a causa de la lluvia, la pana del vehículo en medio del dispositivo de vigilancia nazi. Ofrece tomas de gran fuerza expresiva, como la huida del asesino de Katerin Lodor y la posición de la cámara bajo la ala del avión, protegiéndose instintivamente de amenazas y peligros inminentes. La música, de Max Steiner, solemne y briosa, da profundidad y brillo al relato. (Texto de Miquel, tomado deFilmaffinity)
FA 3771

Georges Franju - Le Sang des Bêtes (1949)

Le Sang des Bêtes es un documental de finales de los 40, del autor frances Georges Franju, sobre dos mataderos de París. Muestra objetivamente durante 20 minutos lo que pasa allí dentro en contrapunto poético con un Paris tranquilo.

La Sangre de las Bestias es, antes que nada, un filme documental. Franju nos muestra, con todo el realismo del caso, el circuito completo de traslado, preparación y faenamiento de bestias, en los matarifes de la periferia de París. Por contraposición, muestra rondas de niños, imágenes de objetos familiares, y el amor, a través del apasionado beso de un par de jóvenes."Una cosa no podrá ser sin la otra", parecería decirnos el realizador. ¿Pero como se satisface esta necesidad imperiosa de alimentarse? Uno podría vivir toda la vida sin saber el "como" llega un bife de la vaca a mi mesa; pero Franju buscará el desasnarnos, para que perdamos esa inocencia que solo es resultado de una natural ignorancia (¿podrá afirmarse lo mismo en otras cuestiones más comprometidas?).Arranca con un matarife que entroniza la figura de su creador (disculpen, no recuerdo el nombre del mismo). Su gran aporte en la materia fue la inclusión del caballo dentro del universo permitido de animales para comer. ¿Porqué no el caballo?, se habrá planteado el hombre. Entonces, los caballos, tal como son recogidos de las calles o de terrenos baldíos, son llevados caminando por sus propios medios al matadero, donde los matan de un pistoletazo en la frente que lo liquida de un modo tan letal como inmediato. (Si usted no vio el filme, créame que no encuentro el modo de explicarle el tenor de las imágenes). Supongo que el "entregador" será quien se quede con la recompensa económica. No se habla nada acerca del "como" se consiguen los caballos; pero no hay ni camiones ni trenes ni, aparentemente, rutas ni estructura alguna sobre el tema.Luego de mostrarnos como ultiman al noble animal, nos ilustra el felm, casi en tiempo real, acerca del como se aprovecha lo aprovechable del mismo. Si uno presta la suficiente atención, casi diría que podría animarse uno mismo a realizar tal faena. Terminado el caballo, Franju nos lleva de la mano a ver el circuito completo de vacas, becerros y ovejas. Es interesante notar lo que el narrador nos hace saber: las ovejas (trasladadas en tren, a diferencia de las vacas que lo son en camiones); necesitan de un "entregador" también; pero en este caso será un carnero quien lo hará. El mismo, quien ya conoce la historia por haber sido partícipe ya varias veces, se adelanta al redil en todo el trayecto, para ser apartado de la matanza a pocos metros de traspasada la última puerta; lo que le permitirá sobrevivir y así volver a su misión con la próxima remesa, el próximo rebaño. En fin; este felm no es para cualquiera. Mujeres y niños, evitadlo. Nada en el felm es sugerido; nada es subliminal. Franju tira sobre la mesa el "como" hacemos para sobrevivir a diario; se trate de manjares o de modestos bocados de carne de puchero; es lo mismo. Estas muertes no hacen distingos de clases sociales. Todos nos beneficiamos con ellas. Ahora, si usted quisiera ver cosas relacionadas al horror de la guerra (el felm es del 49, quizás todavía no se había terminado de asimilar el horror de los campos nazi), es posible que encuentre algo. Es fácil encontrar al menos un paralelo entre los trenes cargados de ovejas y el "Transporte Negro" cargado de civiles, rumbo a cualquiera de los Campos. Yo no lo creo; bastante curtidos estarían los ánimos y las conciencias francesas como para ofuscarse o impresionarse con las imágenes de muerte de algunos animales. Solo una cosa más, y Franju también la muestra y es que, debajo de cada romance, de cada historia, por mínima que sea la misma, subyace esta realidad tremenda de muertes inocentes; esta matanza que no distingue razas ni edades, ya que todo sirve. Nada se perderá y todo se transformará, al decir de otro francés notable. (Texto de Patricio Flores, tomado del interesantìsimo Dìpticos)
FA 3772

Marcel Pagnol - La Femme du boulanger (1938)

¿Amor sin sexo? ¿sexo sin amor? ¿amor con sexo? ¿sexo con amor? ¿por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo? ¿siempre quieren decir sexo? ¿es el amor un invento para ponerle al sexo un nombre más serio, por así decirlo? Todas estas preguntas, y otras tantas derivadas de éstas, darían para hablar y hablar durante días y noches, y son precisamente las que se derivan de una película tan cruelmente ingeniosa como ‘El Pan y el Perdón’, una de las pocas películas estrenadas en nuestro país, del poco, o nada, conocido, Marcel Pagnol, dramaturgo que adaptó varias de sus obras al cine. Todo un referente del cine francés en los años 30, probablemente la época más gloriosa de la cinematografía francesa.
La historia de ‘El Pan y el Perdón’ es sencilla. En un pequeño pueblo un pastor se enamora de la mujer del panadero. Juntos se fugan, dejando al pobre marido totalmente estupefacto por la situación de abandono. Primero rechazará la idea de que su mujer le ha sido infiel, pero poco a poco se irá convenciendo de ello, sobre todo cuando se convierte en objeto de burla para la mayor parte de sus vecinos.
El gran acierto de ‘El Pan y el Perdón’ (‘La Femme du Boulanger’, 1938) es el hablar de temas como la infidelidad o la pasión sexual en unos tiempos en los que esos termas eran prácticamente tabú para la censura, la cual no permitía hablar con claridad de determinadas cosas. Quizá por ello, Pagnol recurre a la sátira en su película, para vestirlo todo como si de una gran broma se tratase, quitándole yerro al asunto. Todas las frases de la película, los diálogos, tienen un doble sentido, casi siempre cómico, y al mismo tiempo no le resta el toque melodramático que la historia requiere. Recordemos que al fin y al cabo, estamos hablando de un buen hombre abandonado por su bella mujer y que para él eso supone el fin del mundo.
Pagnol comienza la película de forma muy amable, presentándonos los personajes, los cuales quedan perfectamente definidos con un par de frases. Enseguida vemos de que pié cojean todos y cada uno de ellos, y enseguida simpatizamos con el personaje central, ese panadero terriblemente enamorado de su mujer, pero que no es consciente de lo que eso supone. Un hombre mayor que su pareja, la cual cae enseguida en brazos de otro hombre, mucho más joven y apuesto que su marido, para el que nunca ha tenido ojos. Después del abandono, el director empieza a mostrar sus verdaderas cartas, y no da el más mínimo cuartel, ofreciéndonos un incisivo estudio sobre la crueldad humana en este tipo de situaciones, algo de lo más cotidiano. Nuestro personaje está perplejo, y se pasa un buen rato de la película excusando a su mujer, con unos diálogos brillantes y realmente delirantes y con un punto desternillantes. Es hora de la comedia, la situación lo requiere, pero Pagnol es lo suficientemente inteligente para lograr que nos riamos pero sin dejar de pensar que asistimos al hundimiento inmerecido de un buen hombre al que se le ataca en su punto más débil: el amor. Cuando éste ya es consciente de su situación, el film da un paso más allá y a través de una de las borracheras más impresionantes que el cine recuerda, se termina de redondear la jugada. A través del personaje central, maldecimos al amor, es hora de locura, de la sinrazón, nos dejamos llevar al igual que nuestro panadero, por la rabia. La película es como una bomba de relojería que en cualquier momento puede estallar. Y en la parte final vuelve la calma, la reflexión, un volver a empezar.
Pagnol no abandona en ningún momento la sonrisa, y a nosotros no nos permite en ningún momento estar serios. Y sin embargo, Pagnol, con toda su picardía y su humor, es terriblemente serio. Tal vez el final sea algo complaciente, una cesión al espectador que no tenía porqué hacerla, pero éste le sirve no sólo para terminar la historia de una forma bastante cerrada, sino para realizar una de las metáforas visuales más perfectas que se hayan visto en una pantalla, de cuantas se han hecho sobre el acto sexual. Un cierre conciso y adecuado, visto desde cierto punto de vista. Hasta llegar ahí, hemos sido testigos de todo. Pagnol demuestra tener un cuidado exquisito por el detalle, y el mosaico de personajes que desfilan por el film es realmente sorprendente. Desde el más tonto del pueblo hasta el párroco, con el cual el director se ceba sobremanera en el momento en el que el cura en cuestión utiliza la desgracia del panadero para ponerla de ejemplo en uno de sus sermones. Un momento en el que el personaje central busca el consuelo divino, por así decirlo, y se encuentra con algo peor.
‘El Pan y el Perdón’ es una película para saborearla detenidamente, para reírse y reflexionar. Uno de esos films a los que el paso del tiempo no le hace ni la más mínima mella, erigiéndose 70 años después de su realización como una película muy fresca y actual. Una película magistral de cabo a rabo, que ha tenido muy poca difusión por estos lares, como el grueso de la filmografía de su autor.
FA 3773

Metodi Andonov - Kozijat rog (1972)

Cuerno de cabra
Bulgaria siglo XVII, tierra dominada por los turcos. Una joven pareja que vive en un pequeño pueblo cerca de las montañas tiene una hija de corta edad. Un día el padre, que es pastor, sube a las montañas con su rebaño, mientras tanto la tragedia se abate sobre su familia: un grupo de turcos entran en su cabaña y violan y matan a su mujer en presencia de su pequeña hija. El padre desolado, al ver su desgracia, se lleva a su hija a las montañas y la educa como si fuera un varón, entrenándola para la lucha, preparando la venganza de la muerte de su madre. Un cuerno de cabra afilado como un puñal será el instrumento de su venganza.
FA 3774

Michelangelo Antonioni - Gente del Po (1947)

Antonioni rodó su primer cortometraje, el documental Gente del Po, entre 1943 y 1947, luego de colaborar en el guión de Un pilota ritorna, de Roberto Rossellini, y trabajar como ayudante del director Marcel Carné. Antonioni registra aquí los hombres y mujeres a la orilla del río, sus tareas cotidianas, su mundo, que el régimen fascista no quería ver reflejados en la pantalla. En la orilla opuesta del río, para esa fecha, Visconti filmaba Obsesión, película en la cual Musolini salió horrorizado diciendo que eso no era Italia. Gente del Po, rodada en 1943, recién se estrenó después de 1947. Se trata de un pseudo-documental, ya que Antonioni utilizó algunos actores profesionales.
FA 3775

John Ford - The Sun Shines Bright (1953)

En diversos períodos de su carrera -a veces por decisión propia y otras por pedido de los productores-, John Ford sacó provecho de sus viejos filmes para repetir cosas que, pensaba, podía ser efectivo animarse a rehacer. Así, “La Diligencia” la descubriríamos a medias en “Caravana de paz”; “Huracán” es, en lo esencial, “Prisionero del odio”; “La ruta del tabaco” bebe de la sangre de “Las uvas de la ira”, “Los tres padrinos” es un remake de “Hombres marcados”; “Escrito bajo el sol”, tiene el mismo trazo de “Cuna de héroes”… y “El sol siempre brilla en Kentucky” es un remake de “El Juez Priest”.No es este, por supuesto, ni el primero ni el último caso en que un director saca partido de su propio trabajo queriendo adaptarlo a las nuevas generaciones. Lo hicieron Wilder y Hitchcock, Wyler y Capra… y probablemente, todos aquellos prolíficos realizadores cuyas creaciones merecen ser apreciadas por toda la humanidad.En lo que respecta a “EL SOL SIEMPRE BRILLA EN KENTUCKY”, siento que era más que procedente un remake de un filme consecuente, en una época en que estaba en su punto más álgido el rancio racismo de los norteamericanos. El filme emana dignidad, cooperación, solidaridad… y especialmente, justicia para todos, sin distingos de cultura, credo o color.El juez William Priest, es el símbolo de todo esto. Y en un pueblo de Kentucky, a comienzos del siglo XX, vestido siempre con el blanco de la transparencia, y en medio de la avalancha racista, de los afanes de linchamiento, y de la sombra de la venganza, decide comenzar a poner las cosas en el punto medio de la balanza. A su alrededor, un puñado de personajes entreteje una trama donde nace el amor, donde se descubre un penoso pasado, y donde se comparte la simpleza, la ignorada dignidad y el gran talento de las minorías raciales. Ford construye un filme que entretiene y emociona, que denuncia y que cuestiona, que nos muestra perplejo un viejo paradigma, mientras traza un nuevo camino que deberíamos recorrer juntos, todos y cada uno de los seres humanos… y de pronto, sale al paso con una de las escenas de funerales más emotivas de la historia del cine, que para quien sepa verla, quizás lo conmueva hasta el llanto como me ha ocurrido a mi. Charles Winninger (“Magnolia”, “Arizona”, “Ziegfeld Girl”…), crea un recio y cálido carácter como el singular juez Priest, y sirve como ejemplo digno, para una justicia que cojea bastante a lo largo y ancho del planeta tierra. (Texto de Luis Guillermo Cardona, tomado de Filmaffinity)

Michel Deville - Péril en la demeure (1985)

Peligro en la intimidad
Un magnate y su joven mujer Julia contratan a David Aurphet para que enseñe guitarra a Vivianne, su hija adolescente. Un día Julia seduce a David y comienza una relación amorosa, sin saber que un vecino está filmando todo. Cuando David es atacado por un desconocido, se da cuenta que se ha metido en una telaraña de intrigas profundas...
FA 3777

Marie Nyreröd - Ingmar Bergman - 3 dokumentärer om film, teater, Fårö (2004)

El trabajo realizado por Marie Nyreröd para la televisión consta de tres capitulos de alrededor de una hora, que se emitieron por la televisión de su país, y que abordan tres facetas igualmente interesantes y complejas del gran maestro sueco; los títulos hacen innecesarios más datos: Bergman y el cine, Bergman y el teatro,Bergman y la isla de Färo. En el primer episodio nos introducimos a los comienzos de Bergman en el cine, de la mano de Alf Sjöberg, hasta la filmación del "detrás de escena" de Saraband, quizás el testamento audiovisual del realizador de El Séptimo Sello. El segundo, pasa revista a algunas de las, nada menos, que 125 obras de teatro que montó y la amistad que lo une a Erland Josephson desde 1938. El último capítulo, Bergman y la Isla de Färo, es el más íntimo y personal. Allí el realizador desnuda sus miedos, sus obsesiones, sus fantasmas, rutinas y fobias. Todo acompañado del material de archivo sobre la trayectoria profesional de Bergman más impactante que se ha visto hasta el momento.

"El primer verano fue todo felicidad. Estábamos filmando Persona en la isla. Hacía calor. Yo estaba experimentando a otro ser humano. Él me estaba experimentando a mí. Y no teníamos necesidad de hablar de ello. Yo caminaba con los pies descalzos sobre una arena tan fina que parecía respirar bajo mis pies. Durante el día me recostaba en el suelo a leer entre una escena y otra. Y sentía mi cabeza pesada, casi como si estuviera inconsciente. Nunca me pregunté cómo acabaría nuestra relación. Era como si estuviese protegida por suaves murallas de luz, de sol, deseo y felicidad.Desde entonces ningún verano ha sido como aquel. Dábamos largos paseos por la playa y no hablábamos, no nos exigíamos nada, no teníamos miedo.Una vez nos alejamos mucho de los otros y descubrimos un pequeño montículo de piedras grises con tierra árida y dura en la base. No sentamos a contemplar el mar que, esta vez, estaba completamente quieto, brillando bajo la luz del sol.Cogió mi mano entre las suyas y dijo:- Tuve un sueño anoche. Soñé que tú y yo estábamos dolorosamente conectados.En ese sitio construyó su casa.Y eso cambió su vida. Y la mía." LIV ULLMAN "Changing"
"Mi ligazón con Farö tiene varias causas; primero fueron las señales de mi intuición: éste es tu paisaje, Bergman. Responde a tus ideas más profundas en lo tocante a formas, proporciones, colores, horizontes, sonidos, silencios, luz y reflejos. Aquí hay seguridad. No pregunten por qué, las explicaciones son desmañadas racionalizaciones hechas a posteriori. Por ejemplo, en tu profesión buscas simplificación, proporción, tensión, respiración. El paisaje de Farö te proporciona todo esto en gran medida.Otras razones: tengo que tener un contrapeso para el teatro. En la playa puedo ponerme furioso y rugir. Lo más que puede ocurrir es que levante el vuelo una gaviota. En el escenario eso es una catástrofe.Razones sentimentales: pensaba apartarme del mundo, leer los libros que no he leído, meditar, purificar mi alma. Pocos meses después ya estaba involucrado sin remedio en los problemas de los habitantes de la isla, lo que dio como resultado Documentos sobre Farö.Más razones sentimentales: durante el rodaje de Persona nos alcanzó la pasión a Liv y a mí. Una grandiosa equivocación me llevó a construir una casa pensando en una vida en común en la isla. Olvidé preguntarle a Liv su opinión. Me enteré después por su libro Changing. Su testimonio es, creo, en líneas generales, amorosamente correcto. Se quedó unos años. Luchamos contra nuestros demonios lo mejor que pudimos."INGMAR BERGMAN "La linterna mágica" (Textos tomados de desconvencida)
FA 3778

Mike Leigh - Naked (1993)

Indefenso
Los variados problemas que experimenta la clase trabajadora inglesa a principios de los años '90, su malestar general y una cierta sensación de desencanto se personifican en el protagonista de 'Indefenso': Johnny es un joven procedente de Manchester que una noche, después de violar a una mujer en la oscuridad de un callejón, roba un automóvil y decide conducir hasta Londres en busca de su antigua novia. Todos los personajes que se cruzan en su camino acaban aumentando el número de víctimas de su encolerizada violencia, un odio casi irracional por todo lo que le rodea que cobra vida gestual, física y verbalmente. Sin trabajo y sin un lugar fijo donde quedarse, la película acompaña al protagonista en su viaje a la deriva por las calles de la capital británica. 'Indefenso' es un relato oscuro, por momentos desolador, sobre unos individuos y el paisaje urbano en el que habitan. El director Mike Leigh ('El secreto de Vera Drake', 'Secretos y mentiras') sabe sacar partido a la improvisación de sus actores; es, precisamente, en la magistral construcción de los personajes donde recae el mayor peso de la propuesta.
FA 3779

Alba Sotorra - Miradas desveladas (2008)

La autora de este documental salió en autostop hacia Pakistán con la intención de grabar algo diferente a lo que nos enseñan los medios de comunicación de países etiquetados como islámicos, asociados al integrismo y velados por una serie de estereotipos que tienen en el centro de mira a la figura de la mujer.
FA 3780

Jeroen Berkvens - A Skin Too Few: The Days of Nick Drake (2000)

Una piel de menos
Breve documental, una revisión de la vida y obra de Nick Drake que aporta nuevos matices a partir de entrevistas y grabaciones de audio - no existen registros en video de Drake - hasta entonces inéditas.
FA 3781

Alain Resnais - Les herbes folles (2009)

Las hierbas salvajes
Les herbes folles es la primera novela adaptada por Alain Resnais en su carrera. El guión, firmado por Laurent Herbiet y Alex Reval , está inspirado en la novela L' incident de Christian Gailly y describe el encuentro de una mujer, Marguerite Muir (Sabine Azéma), dentista y piloto a quien le roban su cartera, cuyo contenido es abandonado en un estacionamiento, y de un hombre solitario de pasado turbio, Georges Palet (André Dussollier) que la recoge. Entre estos dos personajes, que no tenían ninguna probabilidad de encontrarse, va a establecerse una relación sentimental llena de sobresaltos e imprevistos.

"En medio de un festival (Cannes 2009) en el que demasiadas películas de la sección oficial luchaban por evidenciar su pretendida calidad, Les herbes folles brilla como un diamante en bruto por su libertad de tono y su gran fuerza vital. Aunque parezca un tópico, con sus 87 años, Alain Resnais fue el cineasta más joven de la competición ofreciéndonos una de las obras mayores de su carrera. En vez de entregarnos un testamento senil nos regaló un canto a los misterios de la vida. Como en Asuntos privados... o en Pas sur la bouche, su director juega con los modelos del teatro de boulevard para hablarnos de unos seres que se mueven como títeres o cobayas, a quienes el misterio del azar puede llegar a unir. La puesta en escena es brillante y elegante. Los actores están espléndidos convirtiéndose en unos seres que abandonan la racionalidad de su entorno para encontrarse atrapados, de forma progresiva, en un universo absolutamente irracional, guiado por la fuerza de ese oscuro objeto llamado deseo. El orden se rompe, las conductas cada vez resultan más absurdas, los diálogos se convierten en un sutil juego de rimas. Mientras el títere humano se resquebraja, surge una puerta abierta al misterio. Les herbes folles no deja nada atado y bien atado, la película no deja de abrirse hasta que aparece el enigma, hasta que surge el interrogante final que no impide racionalizar y dar sentido a los mecanismos de esa ficción que nos atrapa. (ÁNGEL QUINTANA - Cahiers du Cinema España)
FA 3782

Mike Leigh - Bleak Moments (1971)

Momento sombríos
Sylvia trabaja en una oficina contable, con su amiga Pat y un jefe absurdo. A Sylvia le gusta leer, y bebe en las noches, sola en su cuarto, unas copas de licor frutado. Ella vive con su hermana Hilda, quien sufre retraso mental. Hilda odia a Peter, un profesor de escuela interesado en las hermanas, mientras quiere a Norman, un hippie que trabaja con un mimeógrafo en el garaje de Sylvia, imprimiendo un periódico underground. Sólo cuando Norman toca la guitarra, las cosas parecen fluir amablemente. Todo lo demás es padecimiento, inarticulación, desencuentro y oscuridad. Bleak Moments es el primer largometraje de Mike Leigh y su primera obra maestra: un tratado bellísimo y despiadado sobre la soledad y la incomunicación de los animales humanos. (¡gracias a jota por la sinopsis!)
FA 3783

Iván Zulueta - Arrebato (1980)

José es un director de cine de terror, que acaba de terminar su segunda película. Pero siente un vacío en su vida. Una antigua pareja a vuelto a su casa y se ha instalado allí, lo que le hace saltar de sus casillas. Pero también recibe una carta y un paquete de un amigo, un joven cineasta aprendiz al que conoció mientras localizaba exteriores para su primera película, y al que ayudó en sus primeros pasos tras la cámara. En la carta, su amigo le relata los extraños sucesos que le han ocurrido en el tiempo que llevan sin verse.
FA 3784

Juan Estelrich - El Anacoreta (1976)

Fernando Fernán Gómez interpreta a un "anacoreta laico", escéptico y socarrón en esta tragicomedia de Rafael Azcona, que logra redactar un sólido manifiesto visual de costumbrismo mágico y libertario. Un cuarto de baño es convertido en recinto poético de las utopías fracasadas (hay referencias al fracaso del marxismo) en el que Fernando Tobajas se aísla del mundo exterior, a medio camino entre el anacoreta clásico y el hikikomori de la era electrónica. Además del desencanto ante la posibilidad de una revolución política, el desenlace del film quizás también quiere representar el destino del artista y la imposibilidad de redención por el amor. Martine Audo (Arabel lee), una intérprete prácticamente inédita, viene a ser aquí algo así como la sombra moderna de Beatriz y proporciona las inevitables referencias al destape.
FA 3785

Paolo Sorrentino - L'Amico di famiglia (2006)

El amigo de la familia
Germia, un sastre/usurero de avanzada edad, es un hombre repulsivo y tacaño que vive en una casa destartalada junto con su madre postrada. Geremia tiene una relación mórbida y obsesiva con el dinero, y lo usa para meterse en los asuntos de los demás, fingiendo ser un “amigo de la familia”. Un día, cierto hombre le pide dinero prestado para la boda de su hija, Rosalba. Geremia se enamora a primera vista y comienza una relación al estilo “la bella y la bestia”...
FA 3787

Roberto Rossellini - Vanina Vanini (1961)

Vanina Vanini, hija de un aristócrata, se enamora de Pietro, un joven patriota perteneciente a una organización de masones que se oculta del gobierno. Él la corresponde pero pronto la deja por otra, lo que provoca los celos de Vanina, que le traiciona y le entrega a las autoridades.

Basada en un cuento de Stendhal, ésta es la versión restaurada de la película, recientemente editada en DVD. La película tiene dos flaquezas importantes; una es que le faltan partes de la edición que quería hacer Rossellini y que se perdieron, y la otra es la actriz principal, esposa del productor y desabrida como ella sola. A pesar de todo eso, Rossellini es Rossellini y la peli merece verse.
FA 3788

Jaco van Dormael - Toto le héros (1991)

Totó el héroe
Thomas Van Hasebroeck tiene ocho años y está convencido de que al nacer fue confundido con su vecino Alfred. Como consecuencia de ello, está viviendo la vida de Alfred, y éste la suya. Sueña con llegar a ser agente secreto para vengarse de su destino. En vez de eso, sin embargo, se hace topógrafo. Un día encuentra a Evelyne. Podría llegar a amarla tanto como amaba a su hermana cuando era pequeño, pero alguien está viviendo ese amor en su lugar. Sesenta años después, el anciano Thomas se pregunta si no habrá desperdiciado su vida. Eso le lleva a recuperar los sueños infantiles, y a lanzarse en busca de Alfred, para recuperar lo que éste le había robado: su propia vida.
FA 3791

Krzysztof Krauze - Mój Nikifor (2004)

Balneario de Krynica, Polonia, 1960. Sin ser invitado, Nikifor (Krystyna Feldman) entra en el estudio de Marian Wlosinski (Roman Garncarczyk) y despliega sus pinceles, pinturas y caballete. Llegó para quedarse a trabajar. La vida de Wlosinski, tranquila y estructurada, se ve enormemente alterada. Con el tiempo Wlosinski, poco entusiasta del arte popular, comienza a valorar el trabajo de Nikifor. Admira su fe y libertad espiritual. Comprende la importancia de pintar independientemente de la crítica, de vivir con profunda humildad y sin fijarse en lo temporal. Sucesivamente Wlosinki se da cuenta de cuán esclavizado está por la educación artística recibida - adicto a la pintura tradicional, opiniones y juicios, así como a sus sueños de ser exitoso y establecerse materialmente.
FA 3792